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美術 : 美術展、写真展紹介 ブログトップ
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智美術館 「川瀬忍 作陶50年の間」展 赤や白やピンクと、青磁器って青色だけじゃないのね [美術 : 美術展、写真展紹介]

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智美術館 - Musee Tomoで開催中の「川瀬忍  作陶50年の間」展 ブロガー向け内覧会に参加してきました。
例によって、特別な許可をもらって写真撮影しています。通常は一部作品を除いて撮影NGです。

★ 展示内容

今回の企画展は、三代続く陶芸一家に生まれ、十代で作陶の道に進んで以来、現在まで活躍を続ける川瀬忍さんの作品展です。
以下、学芸員さんによる解説を交え、ご紹介。

展示構成は、単に年代順に並べるのではなく、作家の“創作のdriving force”というか、動機・テーマといったものごとに集めているそうです。
  • 茶碗への取り組み
  • 自然界からの閃き
  • 古の美に学ぶ
といったもの。

● 茶碗への取り組み

上記の通り、作家は若くしてこの道に入ります。親から(祖父から?)、「これを真似て作って見ろ」といった感じで言われ、宋の時代の青磁器を渡されたのだとか。以来、そんな昔の作品を模倣してみたり、形や色(釉薬の工夫)をさまざま試してみたり、修行の時期(?)には試行錯誤を重ねていったそうです。

青磁器は、きっちりと釉薬を塗り、傷はもちろん、ムラ一つないものが良いとされる、高度な品質を要求されるものなのだそうです。そんな“縛り”から解放されたくて作ってみた作品も並んでいます。わざと釉薬が掛からず、土が見えているなんてやつ。
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形状も、厚みを持たせてみたり、ふっくらとしたフォルムだったり。
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青磁の青は、釉薬に鉄分を混ぜることによって生まれるのだそうです。その鉄分の配合や、焼き方によってさまざまな色や表情を見せるようになります。
写真では分かりにくいですが、その辺りを色々と試していて、色合いが微妙に異なる作品が並べてあります。確かに、真っ白と言えるものがあったり、青でも濃さが違ったりと色々。
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釉薬に銅を混ぜると赤系統の色が出せる。材質も変えて色々とチャレンジ。
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● 自然界からの閃き

作家の創作作品は茶碗だけではありません。陶器の器という枠はギリギリ守りつつ(ちょっとはみ出している?)、新たなフォルムを生み出すべく、挑戦しています。
そこでインスピレーションを得ているものが“自然界の中にある形”。動物だったり、植物だったり、色々なものからその造型の美を見出し、自らの作品に取り入れています。

淡水のエイ(あの、ひらひらと泳ぐエイです)を見に、わざわざブラジルまで取材旅行に行った作家。海にいるエイは菱形というか変形五角形というか、なかなかに難しい形。でも、淡水に住むエイにはまん丸の奴がいるのだそうです。「これならば轆轤でひける!」と思った作家は、早速その形を取り入れたのでした。
まずは、例の螺旋階段スペースに二匹がお出迎え。(ぶれちゃった。ごめんなさい)
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ちゃんと目玉とおぼしきものまで表現されていますよ。
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あらあら。ついには泳ぎだしてしまいました。。。
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植物の花や葉っぱは、造形美という点では非常に面白いものがありますよね。あと、揺らめくオーロラをイメージした作品なんてのもあります。
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● 古の美に学ぶ

昔の作品を模してみたものは“オリジナリティ”の点で自分の作品として世に出すのは如何なものかと言うことで、基本的にはこれまで非公開でした。が、今回、この企画展を開催するにあたってそんな秘蔵(?)の作品群も多数、出品されています。

三本脚の陶器ってよくありますが、通常は(?)普通のお椀を作り、そこに脚を別パーツとしてくっつけるのがよくある製造プロセス。でも、古の作品の中には、円筒の端を三方から絞ってくっつけ、三本脚を一体成型したものがあります。その形、作り方を知った作家は自分の作品に取り入れます。
手前が古いもの、奥の奴が作家の作品です。
ちなみに、エイの作品の隣には、どこまでこの三本脚を長く伸ばせるかに挑戦したかのような作品も並んでます。震度2くらいの地震でも倒れちゃいそう?!
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奈良の薬師寺白鳳伽藍復興・修復工事の際に東塔も解体され、基壇(土台)の土が大量に掘りかえされたのだそうです。それは、奈良時代の土が突き固められてできたもの。廃棄するにはもったいないということで、陶芸家に寄贈されたのだとか。
その土を使って作家はいくつかの作品を作っています。といっても、不純物も色々と混ざっているし、普通にこねてしまってはただの粘土になってしまい、元の色合いがなくなってしまう。ということで、ぎゅっと押し固めるだけにして、プレートを制作することに。今回の展示では茶碗などの作品を置く土台として利用されています。
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基壇の土は粘土、砂、砂利が混ざったもの。作家はそれが現代のコンクリートと同じじゃないかと気が付きます。だからこそ千年以上の長きに渡って伽藍を支えられたのでしょう。
そんなあたりからインスピレーションを得たのでしょうか、ピラミッドのような作品も。てっぺんに乗っているのは仏舎利を入れる器です。でも、色合いと言い、形と言い、ドラクエのスライムに瓜二つ。。。
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銅を混ぜた釉薬によって赤というか、ピンクというか、何とも言えない色合いになった花瓶。過去からの技術・製法から学び、さらにそこから創意工夫を進めて行ったものですね。
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散華をイメージした作品。散華(さんげ)とは、仏を讃えるために花びらをまくこと。さらにはオブジェとして、欠けて廃棄された陶器片が床の砂に埋もれていたりして、なかなかいい雰囲気。
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★ 感想

今回の企画展の作品チョイスや展示の仕方には作家さん自身の意見や意思も多く採り入れられているようです。
ウェルカムコーナー(?)には、ご自身の名前「忍」の文字が偶然書かれていた古代中国の作品(のかけら)がお出迎え。表札代わりなのだとか。
そして、最後には蛙の置物が。こちらはそのまま「無事にお帰りください」というメッセージらしいです。なかなかお茶目な一面があるんですね、作家さんは。
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形も面白いのが色々あったんですが、色合いの違いがさらに豊富。私は赤、ピンク系統のが気に入りました。いやぁ、きれい。青磁器って、ピカピカとした輝きを持っているんですが、赤・ピンクの作品群はそのピカピカがなんというか艶っぽい感じ。これでワイングラスを作ってくれたらうれしいな、などと想像してしまいました。
釉薬に混ぜた銅の酸化作用による色合い、なんていう知識も面白いですが、そんな蘊蓄は抜きにしても「これはきれいだ」、「不思議な色だなぁ」、「エイはリアルすぎてちょっとキモい?!」というだけでも楽しめますよ。五十年間の作家さんの努力と研鑽に対しては少々不遜ではありますが、そこは見る側の特権です。自分が好きなのはこれだなぁ、とお好みを見つける感じで観てみたらいいんじゃないかなと思います。

ということで、今回もおすすめの企画展です。

★ 美術展情報

「川瀬忍 作陶50年の間」展は下記の通り、開催中。






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東京都写真美術館 「建築 × 写真 ここのみに在る光」展 [美術 : 美術展、写真展紹介]

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東京都写真美術館で「建築 × 写真 ここのみに在る光」展を観てきました。

★ 展示内容

公式サイトによると、
本展では東京都写真美術館のコレクションを中心として、さまざまな建築を捉えた写真を展示します。写真が発明された頃からどのような建築が写されてきたのか、そして現代の写真家がどのように建築を捉えてきたのかを紹介します。その中には、今ではすでに存在しないものや、実際に見ることが困難なものも少なくありません。写真家が建築を撮るときに感じた光を追体験していただけることでしょう。
とのこと。

展示構成は以下の通り。
  • 第1章 建築写真の歴史 ~東京都写真美術館コレクションより~
  • 第2章 建築写真の多様性 ~11人の写真家たち~
    渡辺義雄、石元泰博、原直久、奈良原一高、宮本隆司、北井一夫、細江英公、柴田敏雄、 二川幸夫、村井修、瀧本幹也

古くは1840年代のダゲレオタイプ(銀板写真)の作品から始まり、各時代の写真家たちが残した街並み、摩天楼、寺院などの写真が並ぶ。フェリーチェ・ベアト、ウジェーヌ・アジェ、ベレニス・アボット、ウォーカー・エヴァンスらの収蔵作品からセレクトされたものだ。

第二章では、渡辺義雄の「伊勢神宮」、石元泰博の「桂離宮」、村井修の「丹下健三の作品群」、奈良原一高の「軍艦島」、細江英公の「ガウディの作品群」など、それぞれの代表作が並ぶ。

★ 感想

冒頭の説明書きにもあったが、建築物は写真の被写体として相性が良い。特に、初期の写真撮影は膨大な露光時間を必要としていたので、“止まっている”ことが重要だったからだ。
そして、建築物自体も“用の美”の最たるもの。存在自体がモニュメントであり、神の威光の体現である寺院・仏閣はもちろん、芸術的建築家のアート作品としての建造物もそれら自体が強いメッセージ性を持ち、また様々な表情を持っている。写真としてそれらをいかに切り出すか、どう見せるかで作品性に大きな違いが出る。そしてそれが写真家の意図を入れ込む余地を生み出している。
と、そんな感じで建物を撮った写真は、被写体である建物の面白さと、写真家の想いと、両方を一度に楽しめる“お得な”芸術じゃないかと思う。
私自身も、自分の思いを表現できるほどの腕前は全くないけれど、建築物の面白さそのものを切り取ることはできるだろうと思い、建造物の写真を撮るのが好きだ。そして、建造物の写真を見るのももちろん好き。

歴史的な建築写真というと、色んな写真家が思い浮かぶが、やはりウジェーヌ・アジェがお気に入りだ。街角の何気ない風景を撮っただけなのに、歴史的な記録としての価値はもちろん、そこから感じ取れる無言のストーリー性がジワジワと染み入るように感じられるのがいい。長時間露光で、そこを歩いていただろう人は陽炎のようにしか写っていないのもいい。時の流れ、かつて生き、生活していた人々の息吹、それらをじっと見つめる建物。そんなものが入り交じった世界はとても奥深い。

宮本隆司の「九龍城砦」シリーズも迫力満点。映画「ブレードランナー」の世界がまさにそこに広がっていた、という感じ。外から見るだけでも、まさに“近寄りがたい”雰囲気なのに、写真家は果敢に入り込み、今は亡きその姿を写していた。犯罪組織の拠点でもあったという話だが、一方で普通の人々の生活もそこにあったわけだし、その混沌さに惹かれてしまう。屋台で菓子(?)を売っているおばちゃんの姿がなんとも存在感があった。

建築写真の歴史と、建築物の面白さと、写真家たちの個性と、色んなものを楽しめる企画展だった。

★ 写真展情報


「建築 × 写真 ここのみに在る光」展は下記の通り、開催中。
  • 会期 : 2018/11/10(Sat) - 2019/1/27(Sun)
  • 開館時間 : 10:00 - 18:00(木・金曜日は20:00まで)
  • 休館日: 月曜日、12/25(Tue)、1/15(Tue)、12/29(Sat)-1/1(Tue)
    12/24(Mon), 1/14(Mon)は開館
  • 料金 : 一般600円 学生 500円 中高生・65歳以上 400円 小学生以下、都内在住・在学の中学生は無料
  • 公式サイト :建築 × 写真 ここのみに在る光
  • 図録:3,000円(税込)





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三菱一号館美術館 「フィリップス・コレクション展」 個人コレクションの魅力は配置順?! [美術 : 美術展、写真展紹介]

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三菱一号館美術館で開催中の「フィリップス・コレクション展」ブロガー向け内覧会に行ってきました。
例によって、特別な許可を得て写真撮影をさせてもらいました。通常は一部のコーナーを除いて撮影禁止です。

★ 展示内容

米国ワシントンにある私立美術館 フィリップス・コレクション は、断簡・フィリップスのコレクションを展示している美術館。昨年、開館百周年を迎えたこの美術館は、米国で最初の近代美術を扱う美術館だ。

● 展示作品

今回はそんなコレクションの中から75点が展示されている。以下、Tak(たけ) さんと学芸員さんによるトークショーの内容も交え、展示品をご紹介。

今回、展示構成をどうするかで色々あったそうです。画家ごとにまとめるとか、制作年代順とか、通常だとこんな感じになるはず。でも、フィリップス・コレクション側の担当者がそれでは納得しなかったのです。彼らはどのように作品を見せるかにとてもこだわりがあるそうで、“意味づけ”が重要だったとか。結局、ベースは「購入順序」で並べるとなったそうです。それでも、各展示室ごとに色々と“チェック”が入り、それぞれの絵が持つ雰囲気や構図などを元にした並び順に変えたところも。「雰囲気や構図」と言われても、多分に感覚的なことですからね。三菱一号館美術館の学芸員さん達も大変だったでしょう。
でも、その結果として「なんでこの画家とあの画家の作品が一緒に並んでいるの?」と思わせるところがあちこちに。謎解きではないですが、その意図を探りながら観るのも面白いでしょう。
一応(?)、構成は以下の通り。
  • Chapter 1 : 1910年代後半から1920年代
  • Chapter 2 : 1928年の蒐集 フィリップスの思考形成
  • Chapter 3 : 1930年代 理想の蒐集品
  • Chapter 4 : 1940年前後の蒐集
  • Chapter 5 : 第二次世界大戦後
  • Chapter 6 : ドライヤー・コレクションの受け入れと晩年の蒐集品
  • Chapter 7 : ダンカン・フィリップスの遺志


クロード・モネの「ヴェトゥイユへの道」。フィリップス・コレクションは“近代美術”作品を集めたとあるが、米国での“近代美術”とは印象派を含まない(!)、その後の作品群のこと。そんな中でのこの一枚。
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ポール・セザンヌの「自画像」。当初、フィリップスさんはセザンヌ作品が嫌いだったとか。でも、後に評価が変わっていったそうです。
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ピエール・ボナールの「棕櫚の木」。リンゴを持っている女性はボナールの妻だと言われています。フィリップス・コレクションは、オルセー美術館に次いで世界で二番目のボナール作品が集まっているのだそうです。
この展示室の壁にはもう一枚、ボナールの「開かれた窓」も展示されていて、こちらは猫が特徴的。でもボナールさん、犬は飼っていたけど、猫はそこら辺の野良猫をモデルにしていたのだとか。
さらにはその二枚に挟まれるようにパウル・クレーの「養樹園」が掛かっています。この並びがフィリップス・コレクションのこだわりのようです。この三作、構図的には画面が三分割された配置になっているのが“共通点”らしい。。。
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ジョルジュ・スーラの「石割り人夫」。スーラというと“点描”のイメージが強い、と言うか、それ以外の作品を知らないのですが、こちらはスーラ最初期の作品。当時は労働者を描いたものが多く、ミレーやクールベの影響だと思われる。
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アンリ・マティスの「サン・ミシェル河岸のアトリエ」。
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「サン・ミシェル河岸のアトリエ」はフィリップス・コレクションにおいてこんな雰囲気で展示されているそう。
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ワシリー・カンディンスキーの「連続」。フィリップス・コレクションは抽象絵画のコレクションも豊富。
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アルベルト・ジャコメッティの「モニュメンタルな頭部」。フィリップス・コレクションは絵画だけではなく、彫像作品もあります。フィリップスさんはジャコメッティを高く評価し、ジャコメッティの展覧会も開催したそうです。
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● こだわりのグッズ

今回の企画展では関連グッズにもこだわりが一杯。
ミュージアムショップの企画展コーナーでは、中心にこのミニチュアハウスがどんとお出迎え。フィリップス・コレクションのある展示室を忠実に再現したもの。プロのミニチュアハウス作家に依頼し、制作されたもので、ソファーは生地から作ったのだとか。
また、掲げられている絵画は、絵画そのものはもちろん、額縁も本物の写真をこのために撮影してもらい、再現されています。
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ドールハウスそのものは一点物なので非売品(要相談らしいですが、かなりの値段になりそう・・・)ですが、ミニチュア絵画はこんな感じで販売されています。複製画の販売は美術展に付きものですが、このサイズは初めてではないかとのこと。
ドールハウスは世界標準で1/12スケールと決まっているそうです。もちろんこのミニチュア絵画も1/12。なので、もしご自分でミニチュアハウスをお持ちならば、その部屋にこのミニチュア絵画を飾るとピッタリ!
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通常は三十種類ほどしか作られないポストカードも、今回は六十四作品が用意されています。しかも、フルコンプ(!)した箱入りセットも限定で販売されているとのこと。セット品、かなりお得な値段設定になってます。
「図録を買った方が、もちろん安いですが。。。」「展示作品は75点。ポストカードになっていない作品が何かをチェックしてみるのも面白いかも」なんて話もありました。
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音声ガイドも用意されています。
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★ 感想

個人のコレクションを展示した私立美術館は色々ありますが、このフィリップス・コレクションはその中でも個性的なコレクションですね。上記の通り、並び順がユニーク。どういう意図を持ってこの並びになっているのか、深い意味があるんですねぇ。そのため、各作品の横に付ける説明文にも、今回の展示のための番号と、フィリップス・コレクションとしての番号の二つが書かれています。研究者が画家の作品にナンバーを振ったりしているのはあるけど、こんなの初めて見たかも。
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フィリップスさんも年代によって趣味趣向が変わっていき、そのために購入作品の傾向も違いがあるようです。購入年代順の展示構成になっているので、その辺りを考えながら観るのも面白いかも。
あと、自分のお気に入りを探してみるのも良いですよ。これだけバラエティに富んだコレクションなので、好き嫌いもありそう。たとえば、ゴッホの作品は、実は苦手。ちとギラギラし過ぎていて目が疲れちゃう。
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エドガー・ドガの「稽古する踊り子」。こんな作品の方が好きかな。バレリーナって、人の身体の動きに目を惹かれるし、ドガの色調は私に合っているのかも。
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丸の内イルミネーション2018が11/8から始まるそうです。この美術展を観て、そのあとイルミネーション見物。そしてどこかの店でディナー。なかなか良いコースじゃないですか。おすすめですよ。

★ 美術展情報

「フィリップス・コレクション」展は下記の通り、開催中。




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